Antes que nada quiero aclarar que no tengo ninguna formación artística y que lo siguiente debe ser tomado como un conjunto de notas personales, tras la lectura de varios libros y una serie de prácticas realizadas con acrílicos Vallejo y Tamiya.

Personalmente, este interés surge de preguntarme por qué los grandes modelistas aclaraban u oscurecían un color para dar luces o crear sombras, usando mezclas tan aparentemente arbitrarias. Por otro lado, observar que muchos de estos grandes modelistas que nos adelantan varios años-luz en cuánto a técnica de pintura tienen (tramposos ellos ) formación artística.

Bromas aparte, pasemos a algunos conceptos teóricos.

Isaac Newton fue el primero, oficialmente, en descubrir o darse cuenta que un rayo de luz blanca puede descomponerse en 7 colores básicos al hacerlo pasar por un prisma. En la naturaleza, este efecto se observa de forma natural en el arcoiris, siendo el prisma, las gotas de agua suspendidas en la atmósfera. Y también realizó la operación inversa, proyectar 7 haces de luces de colores básicos, obteniendo un único haz de luz blanca.

Muchos científicos siguieron sus pasos, entre ellos Thomas Young y descubrieron que de los 7 colores, existían 3 básicos a partir de los cuales podrían generarse el resto a base de distintas combinaciones: rojo intenso, verde intenso y azul intenso.

Además, podríamos extendernos en las cualidades de la luz, o de los objetos que la reflejan: absorción y reflexión; pero sólo nos complicaría más intentar entender un poco cómo usar los colores, pero si aún así estás interesado, al final hay una lista de libros y algunas páginas webs para consultar.

A estos colores, rojo-verde-azul se les llamó colores-luz, pues su mezcla producía el blanco y la variación de los porcentajes de mezcla producían todos los tonos intermedios posibles. De hecho, este es el fundamento del monitor en el que estás leyendo este breve artículo. Los programadores, y sobre todo los diseñadores de páginas webs les sonará esto: "#FFFFFF" (el blanco). Los dos primeros dígitos hexadecimales indican la cantidad de rojo, los dos segundos, la cantidad de verde y los dos últimos la cantidad de azul. Indicando la cantidad máxima de cada color (#FF en hexadecimal es 255 en decimal, la cantidad de cada uno varía entre 0 y 255 ó #00 y #FF).

A estos tres colores se les denominó colores primarios. Mezclando dos de estos colores, obtenemos tres nuevos colores: amarillo mezclando verde y rojo; magenta mezclando rojo y azul oscuro; y cyan mezclando azul oscuro y verde.

También aquí surge la definición de colores complementarios. El amarillo, color secundario, resultante de la mezcla de los colores primarios verde y rojo, es el complementario del color azul, ya que contiene los dos colores primarios que faltarían para, con el azul, formar el blanco.

En resumen, la siguiente descomposición de colores se llama síntesis aditiva (sumar para obtener el blanco):

• Colores-luz primarios: rojo, verde y azul.
• La suma de los colores-luz primarios da el blanco.
• Colores-luz secundarios: amarillo, magenta (rojo carmín) y cyan.
• Colores-luz complementarios: amarillo y azul; magenta y verde; azul claro (cyan) y rojo.

Sin embargo, en bellas artes (y por extensión y sin que suene prepotente, en el modelismo) no trabajamos con colores-luz, sino con colores-pigmentos. El color pigmento es una sustancia que aplicada sobre un fondo determinado, generalmente blanco (para que no varíe su tonalidad), permite, gracias a sus cualidades de absorción y reflexión, ver un color determinado.

En los colores-pigmento, los colores-luz secundarios pasan a ser los colores-pigmento primarios, y viceversa, los colores-luz primarios pasan a ser los colores-pigmento secundarios.

En resumen, y teniendo en cuenta que cuando hablas y trabajas con colores-pigmento, lo haces realizando síntesis sustractiva (restas al blanco para obtener el negro).

• Colores-pigmento primarios: amarillo, rojo carmín (o magenta) y azul claro (o cyan).
• La suma de los colores-pigmento primarios da el negro.
• Colores-pigmento secunarios: rojo (carmín + amarillo), azul (carmín + cyan), verde (cyan y amarillo).
• Colores-pigmento complementarios: rojo y cyan, azul y amarillo, verde y magenta.

A partir de este momento, cuando hablamos de colores, lo hacemos de colores-pigmento.

Al mezclar dos colores primarios, obtener un secundario (ver resumen anterior). Si sumamos a un color primario, un color secundario, obtenemos los colores terciarios. Según la cantidad de mezcla, obtenemos distintas tonalidades intermedias entre ámbos colores.

Para entender mejor como funcionan las mezclas de colores, éstos se ubican en una rueda que se divide en forma de pastel. Arriba colocamos el amarilla, a la derecha el cyan (azul claro) y a la izquierda el magenta (rojo carmín). Cada color ocupa un tercio del círculo. En la frontera entre ámbos colores, abrimos espacio y mezclamos dos primarios. De esta mezcla obtenemos los secundarios. Entre el amarillo y el magenta, el rojo intenso; entre el amarillo y el azul claro, el verde; entre el rojo carmín y el azul claro, el azul intenso. Si volvemos a abrir espacio (haciendo más pequeñas las porciones de nuestra tarta) y volvemos a mezclar, obtenemos los terciarios.

Observando esta rueda cromática de 12 colores (3 primarios, 3 secundarios y 6 terciarios) encontramos los colores complementarios a cada color: los dos colores diametralmente opuestos a cada cual. Los colores que están a cada lado se conocen como complementarios indirectos.

En 1916 Wilhelm Ostwald elaboró una teoría psicológica por la que separaba los colores en fríos y cálidos. En la rueda cromática, los colores cálidos estarían a la izquierda e irían desde el amarillo al azul intenso pasando por el magenta y todas las mezclas intermedias posibles; y los colores fríos estarían a la derecha e irían desde el amarillo hasta el azul intenso, pasando por el azul claro y todas las mezclas posibles.

Algunos autores establecen al amarillo como cálido y al azul intenso como frío; sin embargo otros como William F. Powell en El color y su uso, defiende que estos dos colores pertenecen a ámbas gamas, pues por un lado, el amarillo forma parte tanto de colores cálidos como de colores fríos, y por otro, el azul intenso es la suma de un color primario cálido (el magenta) y un color primario frío (el cyan). Otros autores definen a los colores cálidos los tonos amarillos al magenta y sus adyacentes y los fríos desde los tonos verdes a los azules y sus adyacentes.

En realidad, la teoría de Wilhelm, aunque ampliamente aceptada, no hay que olvidar que la apreciación del color es principalmente subjetiva. Animamos a que si te interesa esta parte del estudio del color indagues en la abundante bibliografía y páginas webs existentes. Es importante, desde la perspectiva del artista, conocer las sensaciones psicológicas de cada gama de colores.

Los colores quebrados o grisáceos se obtienen de la meacla de dos complementarios a partes desiguales. Su mezcla a partes iguales produciría el negro. A esta mezcla podemos añadir en distintas proporciones el blanco para variar la tonalidad del color final.

Una gama de color es una sucesión de colores de forma ordenada.

Gamas simples o melódicas: se obtiene de mezclar un determinado color con blanco o negro, obteniendo distintas tonalidades quebradas del color inicial.

Gama armónica simple: complicamos un poco más la cosa, ya que a un color dado mezclamos su complementario y dos colores más consecuentivos, adyacentes a un lado del complementario. Es quizás la gama de color más empleada, sobre todo si se pretenden crear obras con tendencias cálidas o frías.

Gama armónica quebrada: constituida por parejas de complementarios mezclados en proporciones desiguales, sin la intervención del blanco, obteniendo distintas tonalidades grisáceas.

Hay aún más formas de crear gamas de colores en base a la utilización de complementarios y colores adyacentes. Si tienes más curiosidad, no lo dudes: investiga (al final tienes una relación de webs y libros interesantes).

Los contrastes por tonalidad y color definen la influencia mutua de los colores en el efecto final al ser observados. Un color tiende a oscurecer, si alrededor hay un color más claro; un color tiende a aclarar cuando alrededor hay un color más oscuro. Dos tonos de un mismo color, un junto a otro, acentua su diferencia, aclarando el más claro y oscureciendo el más oscuro. El contraste máximo se obiene de pintar un color y su complementario, uno junto a otro, en su máxima tonalidad posible.

Sobre los claros y oscuros: en el círculo o rueda cromática, el amarillo, color superior, es el más claro, y el púrpura o azul intenso, color inferior, es el más oscuro. La escala de grises comprendida entre el blanco y el negro se conoce como escala de tonalidades, siendo, obviamente, el blanco el más claro y el negro el más oscuro, pero no se representan dentro de la rueda cromática. También se conocen colores acromáticos.

Para mantener las intensidades de un color en los cambios de tonalidades cuando creamos luces y sombras podemos seguir algunas sencillas reglas si usamos el blanco o el negro para este fin. Para obtener una tonalidad más clara añadiendo blanco, usa también un tomo inmediatamente superior en el círculo cromático. Para ir de un tono rojizo hacia un naranja con el blanco, emplea en la mezcla estos tres colores: color básico (rojo), blanco (para aclarar el tono) más un punto de naranja. De esta forma, el tono del rojo se aclarará, sin perder frescura. Si quieres oscurecer con negro, añade a la mezcla un punto del color inmediatamente inferior. Para ir del amarillo al verde usando el negro, al amarillo (base), añades negro y un punto de verde. De esta forma, la intensidad del verde original empleado se mantendrá, oscureciéndola. Cuando un color se enturbia, tiende hacia tonos grisáceos o también conocidos como tonos sucios.

Otra forma de trabajar con las tonalidades es utilizar los complementarios directos. Es decir, el color que está justo enfrente en el círculo cromático. De esta manera podemos variar la intensidad de un amarillo anaranjado usando el azul púrpura, al naranja el azul, al rojo natural el verde azulado, al rojo intenso el verde, al rojo púrpura el amarillo verdoso al púrpura el amarillo.

Cuando usas las pinturas en modelismo con el pincel para crear volúmenes utilizando las técnicas de las luces y las sombras, en definitiva, usas en muchos casos la variación de tonalidades. El correcto manejo de los complementarios y su uso nos permitirá una amplia gama de posibilidades a la hora de pintar y simular cueros, crear suciedad en nuestros motores, pintar la vestimenta de nuestros pilotos y un largo etcétera. No olvidemos que un vehículo, no sólo es una carrocería brillante, sino que para obtener un mayor realismo hay que acompañar a una exquisica carrocería, unos acabados que busquen el máximo realismo posible. Y para esto debemos manejar las tonalidades, las luces y las sombras.

¿Por qué es importante aprender a manejar las luces y las sombras en el modelismo? El pequeño tamaño de nuestras piezas tiende a crear una sensación de plano en el modelo observado. El ojo debe esforzarse más en apreciar los detalles. Usando las luces y las sombras de forma artificiosa, imitando a como se verían en escala real, acentuamos los volúmenes y, por tanto, la sensación de realismo.

Por último, el acrílico en modelismo nos permite investigar tanto en técnicas extraídas del oléo como en técnicas de filtros y veladuras extraídas de las acuarelas. Investígalas y practícalas.

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